O Caseiro

Direção: Julio Santi

País:  Brasil

Ano: 2016 

Davi (Bruno Garcia) é um professor de psicologia que estuda casos de pessoas que acreditam verem fantasmas. Certo dia é instigado, por sua aluna Renata, a visitar o sítio de sua família, onde acredita ser assombrado pelo espírito do antigo caseiro da casa, que se matou. A partir disso Davi se depara com situações que irão fazê-lo repensar em toda a obra estudada durante sua carreira de professor e escritor.

O Caseiro é o segundo longa metragem dirigido por Julio Santi. Nesta história, que mistura fantasia com realidade, Davi começa como um observador externo e aos poucos vai interagindo com os personagens presentes no sítio de Renata. O diretor não tem pressa com o roteiro, sua estória é contada detalhadamente de forma madura e assombrosa, deixando o espectador curioso e instigado.

Para os amantes de filmes de espíritos e fantasmas, O Caseiro é um deleite, assim como para os apreciadores de filmes de investigação e suspense, como eu, caro leitor. Falando em suspense, vale lembrar que o clima do filme evoca, de certa forma, a direção de M. Night Shyamalan, principalmente em Sexto Sentido, onde o personagem analisa os fatos de fora e também acaba interagindo intensamente com o ambiente, antes extrínseco.

Todos os personagens de O caseiro são bem desenvolvidos, e apresentam uma ambiguidade relevante neste tipo de filme. O defeito do filme, além de alguns efeitos especiais não convincentes, são alguns diálogos pobres, junto com uma desagradável direção de atores, que parecem tentar explicar o filme através de diálogos nada habituais no dialeto nacional. Fora isso, a obra de Julio Santi merece ser assistida várias vezes, em razão da quantidade de detalhes que fazem a diferença no seu desenrolar final.

Estreia dia 23/06/2016, nos melhores cinemas!

Gustavo Halfen

Mais Forte que o Mundo - A História de José Aldo

Direção: Afonso Poyart

País: Brasil

Ano: 2016

José Aldo (José Loreto), filho de família pobre, foge da vida dura de Manaus para tentar a vida no Rio de Janeiro. Morando em uma academia de MMA, sua técnica e perseverança chama atenção de seu treinador Dedé (Milhem Cortaz), que vê nele um grande lutador em potencial. Entre crises e traumas, José Aldo se torna o maior lutador de MMA do mundo em sua categoria.

O diretor de cinema Afonso Poyart chamou atenção inclusive de produtores de Hollywood, a partir de seu filme de estreia “2 Coelhos”; devido a semelhança de direção com o diretor Guy Ritchie (Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes). “Com Mais Forte que o Mundo”, ele segue esta mesma linha, porém com mais amadurecimento.

No primeiro ato do longa, Aldo enfrenta uma vida dura em Manaus, a violência de seu pai alcoólatra (ótimo trabalho do ator Jackson Antunes) em casa, e seu alter ego Fernandinho, papel interpretado belissimamente por Romulo Neto. Caro leitor, perceba que Fernandinho age como um colega de treino de jiu-jitsu, e compete com Aldo a namorada, além de desafiá-lo ao limite. Vale atenção a referencia do combate entre ambos, onde em meio a chuva e slow motion, gotas de sangue se misturam a pingos de chuva, e bochechas vibram a cada soco, como na cena final de Matrix Rovolution.

A partir do segundo ato, José parte para o Rio de Janeiro, onde conhece sua futura esposa Viviane (Cleo Pires), e inicia uma vida digna de um vencedor, mantendo dois trabalhos, treinando e competindo; as oportunidades começam a aparecer e em poucos anos Aldo atinge o auge de sua carreira, que conseguiu manter por notáveis  10 anos, tornando-se o maior lutador de MMA da categoria peso pena.

Mais Forte... é um filme que merece ser assistido, Poyart não foca tanto nos treinos e lutas do protagonista, mas sim em seus traumas, crises e principalmente na disputa com o alter ego de Aldo. Ponto positivo para o longa. Que agrada na trilha sonora recheada de Jorge Ben à Os Mutantes e em ângulos de planos ousados e modernos, como prender uma go pro em uma corda enquanto Jose Aldo pula a mesma.

Estreia dia 16, nos melhores cinemas!!

Gustavo Halfen

Truque de Mestre: segundo ato (Now you see me 2)

Direção: John M. Chu

País: EUA

Ano: 2016

A sequencia de Truque de Mestre (Now You See Me, 2013) segue o mesmo ritmo do seu antecessor, porém agora, com novas performances dos participantes e novos inimigos, mais ricos e poderosos.

Após alguns anos dos acontecimentos que levaram Thadeus Bradley (Morgan Freeman) para a cadeia, surge agora uma nova brincadeira com os 4 Cavaleiros, que acabam sendo sabotados de sua primeira aparição depois de anos de reclusão. Em uma tentativa de fuga, por mágica (ou não?) o 4 mágicos vão parar em um restaurante na China e tem que lhe dar com situações que vão exigir além de suas capacidades mágica.

Apesar de uma nova direção, “Truque de Mestre: segundo ato” é fiel ao seu primogênito; o ritmo continua frenético e a cada nova cena, se o espectador se distrair, perde o contexto e os truques dos protagonistas. Durante todo o filme o somos enganados, e em seguida são nos dadas às devidas explicações como em uma apresentação de mágica. Um filme que vale a sequencia para os amantes de Copperfield e cia.

Nos cinemas!

Gustavo Halfen

PRÊMIO CAPUCCINO 2014

OS 20 MELHORES FILMES DE 2014

Segue abaixo minha lista pessoal, feita com bastante cuidado, dos melhores filmes lançados no Brasil em 2014.

Desde 2008 que não era lançado tantos filmes de qualidade, por isso aumentei a lista de 10 filmes (nos anos anteriores) para 20 melhores filmes.

1. Boyhood (Richard Lonklater, EUA)

2. O Lobo de Wall Street (Martin Scorsese, EUA)

3. Operação Invasão 2 (Gareth Evans, Indonésia)

4. No Tears for the Dead (Jeong-beom Lee, Coréia do Sul)

5. Lucy (Luc Besson, França)

6. O Abutre (Dan Gilroy, EUA)

7. Planeta dos Macacos: O Confronto (Matt Reeves, EUA)

8. Predestinado (The Spierig Brothers, Austrália)

9. Noé (Darren Aronosky, EUA)

10. Only Lovers Left Alive (Jim Jarmush, Reino Unido, Alemanha, França, Grécia)

11. O Grande Hotel Budapeste, Wes Anderson, Reino Unido, Alemanha, EUA)

12. Interestellar (Christopher Nolan, EUA, Reino Unido, Canadá)

13. Mesmo Se Nada Der Certo (John Carney, EUA)

14. No Limite do Amanhã (Doug Liman, EUA, Canadá)

15. Guardiões da Galaxia (James Gunn, EUA, Reino Unido)

16. O Grande Herói (Peter Berg, EUA)

17. O Homem Duplicado (Denis Villeneuve, Canadá, Espanha)

18. A Caçada (David Michod, Australia, EUA)

19. Laços de Sangue (Guillaume Canet, França, EUA)

20. O Lobo Atrás da Porta (Fernando Coimbra, Brasil)

Gustavo Halfen

Locke

Direção: Steve Knight

País: Reino Unido

Ano: 2014

 “A soma das sombras é proporcional à soma das luzes, e quanto mais forte é a obscuridade que se vê, mais esplendor tem a luz.” (Leonardo da Vinci)

Steve Knight, conhecido por ser roteirista de Senhores do Crime (filme de Cronenberg , 2007), começou a se aventurar na direção cinematográfica em 2013 com o filme Redenção (Hummingbird), onde não obteve grande êxito em uma estória rasa de “lutinhas” no estilo Jason Stathan, seu protagonista. Este ano, seu novo trabalho chama atenção pelo ator principal Tom Hardy, conhecido por interpretar Bane na Trilogia “Batman: O Cavaleiro das Trevas” e por seu excelentíssimo papel em Bronson (Dir.: Nicolas Refn, 2008), filme que lhe rendeu uma das melhores atuações da história do cinema contemporâneo.

Na trama temos Ivan Locke (Tom Hardy) dirigindo um carro durante a noite em uma pista rápida nas proximidades de Londres. Ele trabalha para uma concreteira, que está para fazer a maior entrega de concreto dos EUA para a Inglaterra. De dentro de seu carro, ele utiliza seu celular acoplado ao radio do automóvel para se comunicar com seus funcionários, com sua esposa, filhos e outros contratempos que vai encontrando no caminho.

Todas a estória é contada por um roteiro criativo, através dos diálogos que Ivan tem com as pessoas por telefone. Todas as cenas se passam dentro do carro, por intermedio da bela interpretação do ator, e criativos e milaborantes planos que o diretor bolou para não tornar o longa metragem monótono, utilizando reflexos dos espelhos e dos vidros, misturando luzes de semáforos e da rede pública da autopista.

Locke passa por situações de extrema emoção e precisa ter pulso firme para aceitar sua realidade atual, contando apenas com a tecnologia; enquanto dirige ele resolve problemas familiares e do trabalho, desenvolvendo bem todos os personagens envolvidos, em uma metáfora da sociedade atual e do quanto nos tornamos onipresentes através de nossos telefones megalomaníacos, tornando o tempo cada vez mais curto e, a exigência de nossas respostas rápidas é um dos grandes pontos fortes do filme.

Em um momento onde o cinema de massa apela para efeitos especiais e cenas de grande impacto imagético, Steve Knight busca a essência do “contar estórias”; se na antiguidade o homem usava a sombra de suas fogueiras para representar seus personagens nas paredes de suas cavernas, aqui, o diretor usa de artifícios minimalistas, relaxa a retina do espectador com efeitos cromáticos dos reflexos no carro e incita sua imaginação.          

Gustavo Halfen  

Godzilla

Direção: Gareth Edwards

País: EUA, Japão

Ano: 2014

Nos anos 1950 no Japão, o país estava devastado pela 2ª Guerra Mundial e vivendo intensamente os horrores causados pelas bombas atômicas de Hiroshima e Nagasaki. A censura ocidental impedia os japoneses de produzirem um filme mostrando os horrores causados pelos estadunidenses; com isso surgiu a ideia de Godzilla; um monstro gigantesco mutante em virtude de testes nucleares, que por onde passa deixa medo e destruição.

Em 2013, o diretor Gareth Edwards, já familiarizado com o tema, por seu filme Monsters (2010), é chamado para dirigir o novo Godzilla. O grande desafio deste filme era utilizar a metáfora do ataque nuclear sofrido em 1945 no Japão, homenagear o filme original de 1954, trazer a temática para a atualidade e ainda produzir um blockbuster.

Edwards não só conseguiu este feito como teve a perspicácia de lembrar-nos do acidente em Fukushima em 2011, onde um terremoto de 8,9 pontos na escala Richter, causou um tsunami que abalou as estruturas da Central Nuclear de Fukushima I, provocando vazamento de radioatividade e contaminando a água do mar.

Na trama uma usina nuclear no Japão é destruída por um abalo sísmico desconhecido que causa um tsunami, onde toda a cidade é abandonada devido ao vazamento radioativo. Quinze anos depois, terremotos com o mesmo comportamento voltam a assombrar a superfície da Terra e logo se descobre os gigantes monstros que vêm assombrar a tranquilidade do ser humano.

O diretor não julga Godzilla e seu inimigo natural como seres malévolos, mas sim como seres naturais em sua cadeia alimentar, como o ser humano e as formigas, que as pisa e não sente remorso. Ele demonstra seus tamanhos em movimentos lentos, respeitando suas escalas, e vai expondo Godzilla através de silhuetas e sons que na sala de cinemas com sistema ATMOS cria um hiperrealismo impressionante; aliás o cuidado com o som foi um dos principais impactos desse longa metragem, que deve ser visto com sistema próprio para tal. A trilha sonora referencia, e muito, as músicas de filmes de suspense e terror dos anos 1950, o que nos trás uma nostalgia ainda maior ao ver Godzilla rugindo.

Godzilla não poderia estar em melhores mãos que de Gareth. Seu longa nos põe em perigo, fragilidade e medo, nos lembra do nosso passado assombroso e diverte, como todo bom filme.

Nos melhores cinemas!!

Gustavo Halfen

12 Anos de Escravidão (12 Years a Slave)

Direção: Steve McQueen

País: EUA, Reino Unido

Ano: 2014

Em 2008, quando o diretor Steve McQueen estreou na direção de longas metragens com o filme Hunger, ficou claro que ali estava por vir um grande mestre na arte de dirigir. Hunger foi visceral, intenso e sem sensacionalismo. Um filme com uma crítica social atual sobre os valores morais que a Irlanda vivia na época. Em 2011, McQueen lança Shame, que assim como Hunger teve as mesmas características de assinatura do diretor; intensidade, arte pela arte, brilho e uma temática polêmica, que no caso foi compulsão sexual. Porém até o momento não se ouvia grandes elogios ao diretor. Foi quando ele começou a dirigir um longa em terras hollywoodianas, e mantendo uma temática forte: a escravidão nos EUA.

12 Anos de Escravidão conta a estória de um negro ex-escravo que vive de forma livre após conseguir sua carta de alforria. Não demora em que ele seja sequestrado e trabalhe de escravo ilegalmente pelos 12 anos do título. Baseado no livro autobiográfico de Solomon Northup, protagonizado por Chiwetel Ejiofor.

Confesso que quando soube que “12 Anos...” ganhou o Oscar de melhor filme este ano (2014), fiquei com um pé atrás. Pois os dois primeiros filmes de Steve McQueen, embora perfeitamente técnicos e sensíveis, não eram o tipo de filmes para Oscar, e sim, para festivais menos populares, embora até melhores; devido ao seu caráter não comercial. E fiquei curioso de saber como o diretor conseguiu driblar a “Academia” para chegar em tal podium.

O elenco, que conta com mestres da atuação na atualidade (M. Fassbender, Paul Dano, Benedict Cumberbatch), faz o seu papel de forma esplêndida, com exceção do ator principal, Chiwetel Ejiofor, que não muda sua expressão facial pelas 2 horas do filme. O visual do filme, os planos e todo o ambiente da região sul dos EUA é filmado de forma belíssima como que fosse uma forma de relaxar os olhos do espectador, que só vê desgraça na vida de Solomon. Porém a estória de Solomon é monótona e repetitiva para uma adaptação (quase) fiel ao cinema. Solomon é sequestrado e escravizado e, claro, só isso já bastaria de sofrimento, pois como disse meu colega crítico de cinema Rodrigo Ramos em relação à escravidão: “Nada, nenhuma palavra, nenhuma ação, nenhuma bolsa família ou cota de faculdade será capaz de reparar os erros grotescos do passado.” Porém nos dias atuais, poucas coisas nos chocam como antigamente; o próprio Mel Gibson ao justificar a violência exacerbada de seu filme A Paixão de Cristo (2004), cita, que cada vez mais temos que exagerar na violência em um longa metragem para que consigamos passar a sensação vivida na cena. E, é exatamente isso que falta em “12 Anos...”. O espectador fica esperando as coisas se desenrolarem no filme, porém pouco acontece. Até mesmo o próprio plano sequência de uma cena de tortura em uma escrava, chega a ser mediano. E o final do filme possui um desfecho sem graça e com atuações medíocres, o que tornou tudo muito vago no longa de Steve McQueen.

No ano anterior, outro longa com a mesma temática foi lançado, Django Livre, que apesar de possuir uma outra forma de linguagem, exibindo violência gratuita, ele consegue ambientar e trazer a nossa realidade o sofrimento que os negros passaram no passado, além de toda a questão de vingança que o público que ver na tela.

Outros filmes muito melhores mereciam o Oscar esse ano e, os próprios longas anteriores de McQueen, também mereciam. Assim como o Oscar, Steve McQueen já foi melhor.

Gustavo Halfen

Ajuste de Contas (Grudge Match)

Direção: Peter Segal

Ano: 2014

País: EUA

Ao sair da sessão de imprensa do filme “Ajuste de Contas”, ouvi um dos críticos declamar as seguintes palavras em relação ao filme assistido: “Putz cara, eu não sabia que eu queria tanto ver isso...”. A sensação de nostalgia nas palavras deste estranho sábio, resumiram basicamente o sentimento que todos vão sentir ao sair do cinema após “Ajuste de Contas”.

Na trama, temos em conflito, dois boxeadores aposentados que eram rivais nos anos 1970; Henry Razor Sharp, na pele de Sylvester Stallone e, Billy The Kid McDonnen, na pele de Robert De Niro. Ambos foram campeões de boxe, e só perderam uma luta um contra o outro, e a terceira luta de desempate nunca aconteceu. Porém, é chegada a hora da decisão.

É inconcebível olhar para o poster deste filme e não imaginar o duelo utópico entre Rocky Balboa e Jake La Motta, ambos mestres do boxe movie nos anos 1970. Ao início do filme, temos um resumo do passado dos boxeadores, mostrando em manchetes de tv e capas de revistas, excelentes montagens dos atores hoje “velhacos”, em plena forma, posando para fotos, inclusive flash de suas lutas a trinta anos atrás. O longa debocha de forma escrachada da decadência do homem e suas barrigas salientes, te fazendo rir com detalhes sutis de ambos os atores, agindo de formas contrárias. De Niro é beberrão e irresponsável, está sempre feliz e pronto para o próximo trago. Stallone mantêm-se o “Garanhão Italiano” tímido e centrado, porém com algumas mágoas guardadas no passado. Aos amantes da comédia pastelão, temos o ator Kevin Hart  no papel de Dante Slate Jr, o promotor (vamos assim dizer) de ambos os lutadores, que como em outras comédias, brinca com os costumes e conflitos entre o homem branco e negro.

Por fim, “Ajuste de Contas” é um filme fetiche, para os amantes deste esporte apaixonante que é o boxe, e mistura duas feras de Hollywood, que se divertem zombando uma da outra, além de ironizar a moda das lutas de MMA e a tecnologia exacerbada utilizada pela juventude atual.

Estreia dia 10 de janeiro de 2014, nos melhores cinemas!

Gustavo Halfen

Questão de Tempo (About Time)

Direção: Richard Curtis

País: Reino Unido

Ano: 2013

Richard Curtis é um cineasta despretensioso, que usa da sétima arte pra trazer uma mensagem divertida de esperança e amor ao seu público; mas em Questão de Tempo, seu último filme, Curtis se superou.

About Time conta a estória de Tim (Domhnall Gleeson), um ruivo inglês desajeitado, que descobre através de seu pai (Bill Nighy) que todos os homens da família possuem a capacidade de voltar no tempo e modificar seu passado. Com isso ele usa de tal artifício para conquistar a mulher amada, corrigir seus erros, e melhorar sua vida como ser humano.

Apesar de parecer uma comédia romântica comum, Questão de Tempo vai além. Richard Curtis usa do recurso da “viagem no tempo” para focar nas coisas simples da vida; as ações e suas consequências, os erros que não podem ser consertados, o tempo que perdemos com trabalho e coisas fúteis.

A estória, escrita pelo próprio diretor (conhecido pelos roteiros de O Diário de Bridget Jones e Um Lugar Chamado Notting Hill), brinca com a forma que Tim tenta resolver seus pequenos problemas em busca de um amor e conforme o tempo passa, o romance deixa de ser o protagonista da estória e o relacionamento com seu pai vai tornando-se um dos alvos da trama, assim como sua luta por um mundo menos corrido e mais calmo, onde se vive cada dia por vez, onde não nos aborrecemos com futilidades, onde encaramos nossos problemas como desafios para melhorarmos nosso modo de viver, e assim, Curtis deixa sua mensagem.

Se em Os Piratas do Rock (2009), o navio, símbolo das rádios piratas dos anos 1960 na Inglaterra, afunda e a mensagem do rock n’ roll se espalha pela eternidade, em Questão de Tempo, nada é para sempre, mas cada dia é um presente divino, que deve ser vivido com tamanha intensidade mostrada por Tim e seu velho pai.

Estreia dia 20 de dezembro nos cinemas!!

Gustavo Halfen

O Hobbit: A Desolação de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug)

Direção: Peter Jackson

País: EUA, Nova Zelândia

Ano: 2013

  

Na segunda parte da adaptação do livro “infantil” O Hobbit, Peter Jackson deixa de lado o clima ingênuo e pueril, tão enfatizado no primeiro capítulo desta trilogia, para dar mais ênfase ao tom sombrio e as cenas de ação E, não poderia ser diferente, agora Bilbo já encontrou o anel, que desencadeará a trilogia O Senhor dos Anéis, tornando-o um personagem mais sério e ambicioso; aliás, ambição é o principal tema de “A Desolação de Smaug”, Bilbo pelo anel, o anão Thorin pelo seu reinado de volta, Smaug pelo ouro, o elfo Légolas por sua paixão, que não cabe aqui salientar.

É impressionante o quão majestoso Peter jackson conseguiu adaptar o universo de O Hobbit. O que vemos aqui, não são apenas excelentes cenas de ação, atuações e efeitos especiais. “A Desolação de Smaug” é um milagre cinematográfico. Tudo é fantasioso, cada segundo do filme é uma experiência imagética única e alucinógena. Isso sem falar no dragão Smaug que com certeza será o dragão mais fantástico já visto no cinema, além de seu enorme tamanho que nunca cabe inteiro na telona. A dublagem feita por Bennedict Cumberbatch para o Dragão Smaug também e algo que passa uma sensação de onipotência. A cena dos anões fugindo em barris pelo rio Elfico e, as aranhas gigantes é algo extraordinário.

Existe desde “O Hobbit: Uma jornada inesperada” a reivindicação por parte da crítica e dos expectadores em geral, da duração do longa de 161 min. Porém, todas as adaptações cinematográficas de livros, sempre deixam vazios na estória e desagradam à quem os leu. O universo de Tolkien é imenso e rico e, sim, deve ser explorado ao máximo. “A desolação de Smaug” esbanja detalhes que fascina o espectador; nos levando a um mundo fantástico e sonhador. E não é este o verdadeiro sentido do cinema?

Nos cinemas!

Gustavo Halfen